时代映象-1960年以来的英国摄影

WORK REST AND PLAY – BRITISH PHOTOGRAPHY FROM 1960S TO TODAY

 

这次在上海民生现代美术馆开幕的英国五十年摄影展是在中国展览的第二站。在连续做了两站英国五十年摄影展的展览空间设计之后，一个想法在慢慢的成形。同样一个展览主体，如何在不同的展览空间中，面对不同的挑战和困难，用最为合理经济的方式来做出不同的呈现。展览空间的设计本身成为了展览内容的再次剪辑。就如一个经典的电影，会有不同的剪辑一样，每一次的剪辑都会呈现出同一故事的不同面，对于观者来说，这种熟悉与陌生的同时存在，或许是对展览内容的更深一层次的解读和理解。

第一站是在深圳的华侨城创意园OCT LOFT里面做的展览。那是一个刚刚改造完成的空间，很多基本条件都很基础，墙是现搭的，地面是刚做好的，灯轨都是现加的。整个空间是一个非常方正的空间，一个矩形的标准空间。高企的屋顶，很适合做一些当代艺术展，包括展览一些大型的装置艺术。但对于这次的摄影展来说，却未必是最好的空间。过高的空间，对于尺幅并不巨大的摄影作品来说，容易形成尺度上的压迫感，容易显得作品本身被忽视。均质空间本身的开阔和规整也是对英国摄影展这个复杂而丰富的内容一种矛盾。如何运用空间设计的技巧来重新解构这么一个均质的空间，使得新的展览空间的复杂性和丰富性，抑或矛盾性与展览内容进行一个重新的契合，就成了第一站英国摄影展的主要设计课题。一系列的与展览内容相结合的空间分割和细部处理，包括家具的摆放，都围绕着破坏原有空间，重构一个新的空间秩序而展开。其中包括了中间以书桌排列的时间轴分割和引导了空间的区域，曲折而结合了展览内容的不同高度的展墙对于流线和停留空间的穿插和对位，都极大的制造了空间的意义。把原先的均质空间，变成了一系列不同空间情感的组合碰撞，与摄影展贯穿五十年巨大差异性的内容形成了一种空间形式和视觉图像之间的契合。

第二站，则截然相反，在红坊的上海民生现代美术馆，是一个我非常熟悉的空间。一个巨大的主展厅，层高夸张，三个小展览规整的在一侧。整个展馆的空间序列已 经被定义的十分清晰。相比第一站的华侨城创意园OCT LOFT的空间需要做分割，第二站的上海民生现代美术馆，需要做的是空间的串联，把不同的空间进行有机的串联来叙述一个完整的展览故事。其中最大的挑战在 于，三个小展馆的高度和大展馆差别巨大，如何通过设计技巧把观展体验自然的连续起来。原先展馆的流线和空间是完全分离的状态，流线在一边，观展空间在一 边。这样的情况会使得观展体验的中断。在设计上，用一些插入空间的墙体，来融合原来泾渭分明的走道空间和观展空间，就如咖啡和牛奶的搅拌一样，处理过后的 空间，人群是互相交融的，是互动的。这些墙体除了对空间进行融合之外，还对空间的引导起到很大的作用，因为墙体本身是做为展墙存在的，人们在沿着墙体观看 作品的同时，已经不知不觉完成了空间的转换。同时在第一站展览中出现过的放置书籍的书桌也被重新设计结合到了展墙上，与展墙产生空间导向的互动，在有些地 方书桌是穿透展墙，起到引导人流绕过展墙进入内部空间的作用。有些地方是斜插入现有的墙体，打破原有空间的外围界限。在有些地方是对展墙本身方向性的延 展。由于书桌本身的功能性，在书桌前阅读的人群，有加强了书桌对墙体的延展。观展者参与到了空间设计之中，借由书籍的阅读这个行为，完整了整个空间从墙体 到书桌到人的参与这么一个空间的定义。

在 接下来的第三站，空间又有完全不同的形式。这种每次不同的空间对同一个主题的展览带来的是不同的观展体验。这种不同的观展体验，也是对同一主题的不同方式 的解读。每一次展览设计都是一次进化，都是展览内容在全新的空间中自我演化，自我迭代的产物。而这种同一内容快速迭代的设计方式，在不同的场景空间中切换 的设计手段。也对传统的建筑设计，室内设计，或空间设计那种周期长，投资大的高大全的设计理念提出了挑战。传统建筑设计室内设计的那种自上而下的一统式的 设计理念，在传统的工业化社会模式中，一直被奉为经典。而在信息化为主导的短平快的互联网社会模式中，奉为经典的设计理念和手法，是否还可行，这也是这几 个展览设计带来的一个全新的思索。